A realizmus művészete

A realizmus a művészetekben a természet vagy a kortárs élet pontos, részletes, díszítés nélküli ábrázolása. A realizmus elutasítja a képzeletbeli idealizálást a külső megjelenések szoros megfigyelése mellett. Mint ilyen, a realizmus tág értelemben számos művészeti áramlatot foglal magában a különböző civilizációkban. A képzőművészetben például a realizmus megtalálható az ősi hellenisztikus görög szobrokban, amelyek pontosan ábrázolják a bokszolókat és az öreg nőket. A 17. századi festők, mint Caravaggio, a holland műfajfestők, a spanyol festők José de Ribera, Diego Velázquez és Francisco de Zurbarán, valamint a francia Le Nain testvérek alkotásai realisztikusak. Századi angol regényírók, Daniel Defoe, Henry Fielding és Tobias Smollett alkotásait realisztikusnak is nevezhetjük.

A realizmust azonban tudatosan esztétikai programként nem fogadták el a 19. század közepén Franciaországban. Valójában a realizmus a francia regények és festmények egyik fő trendjeként tekinthető 1850 és 1880 között. A realizmus kifejezés egyik első megjelenése 1826-ban a Mercure français du XIX ^e siècle-ben jelent meg, amelyben a szót egy A doktrína nem a múltbeli művészi eredmények utánozására, hanem a természet és a kortárs élet művészek által kínált modellek valódi és pontos ábrázolására épül. A realizmus francia támogatói egyetértettek abban, hogy elutasították mind az akadémiák klasszicizmusának, mind a romantikának a mesterségét, valamint a hatékony műalkotásban a korszerűség szükségességét. Megpróbálták ábrázolni a középső és alsó osztályok, a kiválogathatatlanok, a hétköznapi, az alázatos és a díszítetlen életét, megjelenéseit, problémáit, szokásait és sok másját. Valójában lelkiismeretesen állítják magukat a kortárs élet és a társadalom eddig figyelmen kívül hagyott aspektusainak - a szellemi hozzáállásának, a fizikai helyzetnek és az anyagi feltételeknek - reprodukálására.

A realizmust számos szellemi fejlemény ösztönözte a 19. század első felében. Ezek között volt a németországi anti-romantikus mozgalom, amelynek középpontjában a közönséges ember volt, mint művészeti tárgy; Auguste Comte pozitivista filozófiája, amelyben hangsúlyozta a szociológia jelentőségét a társadalom tudományos kutatásaként; a szakmai újságírás növekedése a jelenlegi események pontos és szenvedélyes rögzítésével; és a fényképezés fejlesztése azzal a képességgel, hogy extrém pontossággal mechanikusan reprodukálja a látványt. Mindezek a fejlemények ösztönözték a kortárs élet és a társadalom pontos felvétele iránti érdeklődést.

Festés

Gustave Courbet volt az első művész, aki öntudatosan hirdeti és gyakorolta a realista esztétikát. Miután hatalmas vászonját, a Stúdiót (1854–55) elutasította az 1855-ös Exhibition Universelle, a művész azt és más műveket „Realizmus, G. Courbet” cím alatt egy speciálisan épített pavilonban mutatta be. Courbet erősen ellenzi a művészet idealizálását, és sürgette más művészeket, hogy inkább tegyék a művészet középpontjába és kortársává. A mindennapi élet jeleneteinek őszinte ábrázolását egy igazán demokratikus művészetnek tekintette. Az olyan festmények, mint az Ornans-i temetkezése (1849) és a Kőmegszakítók (1849), amelyeket az 1850–51-es szalonban mutatott ki, már megrázta a nagyközönséget és a kritikusokat az őszinte és díszíthetetlen tényszerűséggel, amellyel alázatos parasztokat ábrázoltak és munkások. Az a tény, hogy Courbet nem dicsőítette parasztokat, hanem merészen és határozottan bemutatta őket, heves reakciót váltott ki a művészet világában.

Courbet munkájának stílusát és tárgyát olyan alapra építették, amelyet a Barbizon Iskola festõi már megtörtek. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet és mások az 1830-as évek elején a francia Barbizon faluban telepedtek le azzal a céllal, hogy hűen megismételjék a táj helyi jellegét. Bár mindegyik Barbizon festőnek megvan a maga stílusa és sajátos érdekei, munkáikban mindazonáltal hangsúlyozták a természet egyszerű és hétköznapi, nem pedig a grandiózus és monumentális aspektusait. Elfordultak a melodramatikus festékenységtől és szilárd, részletes formákat festettek, amelyek a szoros megfigyelés eredményei voltak. Az olyan munkákban, mint a The Winnower (1848), Millet volt az első művészek, akik a paraszti munkásokat nagyszerűséggel és monumentalitással ábrázolták, amelyet eddig fontosabb személyek számára tartottak fenn.

Egy másik, a realista hagyományokkal gyakran összekapcsolt francia művész, Honoré Daumier, a francia társadalom és politika szatirikus karikatúráit rajzolta. A párizsi nyomornegyedekben és utcákon talált munkásosztályú hősöket és hősnőit, gazemberek ügyvédeit és politikusait. Courbethez hasonlóan heves demokratikus volt, és karikaturista készségeit közvetlenül a politikai célok szolgálatában használta. Daumier energikus lineáris stílust használt, merészen hangsúlyozva a valósághű részleteket és egy szinte szobrászati ​​formai kezelést, hogy kritizálja a francia társadalomban tapasztalt erkölcstelenséget és rondatot.

A Franciaországon kívüli képi realizmus valószínűleg a 19. században volt a legjobban ábrázolva az Egyesült Államokban. Itt Winslow Homer erőteljes és kifejező tengeri témájú festményei, valamint Thomas Eakins portrék, csónakázási jelenetek és egyéb munkák őszinte, érzelemmentesek és élesen megfigyelt kortárs életképek.

A realizmus a 20. századi művészet különálló jelenléte és általában a művészek azon vágyából származik, hogy a mindennapi élet tisztességesebb, kutatóbb és egységesített nézeteit mutatják be, vagy annak a kísérletéből, hogy a művészetet társadalmi és politikai kritika eszközeként használják. A The Eight néven ismert amerikai festőművészek nyolcadik városi életének durva, vázlatos, szinte újságírói jelenet az előző kategóriába tartozik. A Neue Sachlichkeit néven működő német művészeti mozgalom (új tárgyak) viszont realista stílusban dolgozott, hogy kifejezze a németországi I. világháború utáni időszak cinizmusát és csalódását. A depresszió korszakának a társadalmi realizmusnak nevezett mozgalma hasonlóan szigorú és közvetlen realizmust alkalmazott az amerikai társadalom igazságtalanságainak és gonoszságainak ábrázolásakor abban az időszakban.

A szocialista realizmusnak, amely a Szovjetunióban az 1930-as évek elejétől az 1991-es feloszlatásig volt hivatalosan támogatott marxista esztétika, valójában kevés köze volt a realizmushoz, bár állítólag az élet hű és objektív tükröződése volt. „Igazságosságát” az állam ideológiájának és propagandista szükségleteinek kielégítéséhez kellett megtenni. A szocialista realizmus általában a naturális idealizáció technikáit alkalmazta olyan széltelen munkások és mérnökök portrék készítéséhez, akik hősies pozitivizmusukban és az egész életen át tartó hitelességükben meglepően hasonlóak voltak.